Pourquoi la question se pose aujourd'hui

On vit dans une époque où la représentation du corps féminin est devenue un terrain politique. #MeToo a changé la façon dont on regarde les rapports de pouvoir entre les hommes et les femmes. La publicité, le cinéma, les réseaux sociaux — partout, on a commencé à questionner qui représente le corps des femmes, comment, et dans quel intérêt. C'est un mouvement réel, et il a produit des prises de conscience nécessaires.

Dans ce contexte, entrer dans un lieu qui expose des sculptures de femmes nues, créées par un homme, au début du vingtième siècle — ça peut provoquer une réaction. C'est normal. Le regard qu'on pose sur une œuvre n'est jamais neutre. Il arrive chargé de tout ce qu'on a vécu, lu, appris.

Mais une réaction n'est pas une analyse. Et c'est là que ça devient important.

Parce que regarder les nus de Médard Bourgault avec les seules lunettes de 2025, c'est regarder le mauvais objet. Ce n'est pas une publicité. Ce n'est pas une image produite pour vendre quelque chose ou pour satisfaire un regard masculin. C'est l'œuvre d'un sculpteur autodidacte de Saint-Jean-Port-Joli, qui travaillait le bois dans un contexte où montrer ces sculptures lui coûtait quelque chose — socialement, religieusement. Il les cachait parfois. Il les faisait quand même.

Un anachronisme déguisé en progrès

Remettre en question les nus de Médard Bourgault à partir de critères contemporains, c'est juger une œuvre du passé comme si elle avait été créée aujourd'hui — et lui reprocher de ne pas s'y conformer. C'est un anachronisme. Il ne dit rien sur l'œuvre. Il dit quelque chose sur nous.

Le nu traverse toute l'histoire de l'art occidental et non-occidental. Il a servi à représenter la beauté, la dignité, la fragilité du corps humain, sa présence dans le monde. Réduire cette tradition à une logique d'objectification, c'est appauvrir radicalement ce qu'on regarde — et se priver de la capacité de le comprendre.

Chez Médard Bourgault, le nu relève d'une recherche formelle : l'équilibre, la masse, la vérité du corps sculpté dans le bois. Ce n'est pas une posture idéologique. C'est un travail de sculpteur.

Une forme d'art qui ne vieillit pas

Il y a aussi quelque chose qui dépasse Médard Bourgault, et qui dépasse son époque.

Le nu est peut-être la forme la plus ancienne et la plus constante de l'histoire de l'art. Des Vénus préhistoriques taillées il y a 30 000 ans aux sculptures grecques, de Michel-Ange à Rodin, d'Auguste Renoir à Louise Bourgeois — le corps humain nu a traversé tous les siècles, toutes les cultures, tous les courants artistiques sans jamais disparaître. Pas parce que les artistes cherchaient à choquer ou à provoquer. Parce que le corps est l'expérience humaine la plus universelle qui soit. Tout le monde en a un. Tout le monde vieillit dedans, souffre dedans, aime dedans. Le représenter, c'est parler de quelque chose que personne ne peut nier.

C'est pour ça que le nu résiste au temps d'une façon que peu d'autres sujets artistiques peuvent revendiquer. Les modes changent, les idéologies passent, les sensibilités se transforment — et le nu est encore là, toujours pertinent, toujours capable de toucher quelqu'un qui le regarde pour la première fois. Ce n'est pas de l'indécence qui a survécu malgré la censure. C'est une forme d'art qui a survécu précisément parce qu'elle dit quelque chose de vrai sur ce que c'est qu'être humain.

Ce qui est remarquable chez Médard Bourgault, c'est qu'il arrive à cette même vérité sans formation académique, sans avoir fréquenté les grandes écoles des beaux-arts, sans avoir vu de près les chefs-d'œuvre de la tradition occidentale. Un homme qui taille le bois dans un village du Québec au début du vingtième siècle, et qui aboutit au même endroit que les grands sculpteurs de l'histoire — le corps humain comme sujet fondamental, comme lieu de beauté et de vérité. Ça ne diminue pas son œuvre. Ça en révèle la portée.

Vouloir faire disparaître ces sculptures d'un lieu de mémoire, c'est couper ce lieu du courant le plus long et le plus profond de l'histoire de l'art.

Un détail qu'on oublie toujours

Médard Bourgault devait lui-même cacher certaines de ses sculptures. L'environnement religieux et social de son époque imposait des limites strictes à ce qui pouvait être montré. Ces nus existaient donc dans un espace de tension — parfois dissimulés, rarement assumés publiquement. Ce n'était pas de la provocation. C'était un espace de liberté, arraché à des contraintes réelles.

Il y a quelque chose d'autre à comprendre. La représentation du corps humain n'est pas un détail dans l'œuvre de Médard Bourgault — c'en est le fondement. C'est par le corps qu'il cherchait la beauté, l'équilibre, la vérité de la forme humaine. Retirer ces sculptures ou les cacher, ce n'est pas protéger qui que ce soit. C'est amputer l'œuvre de ce qui en constitue le cœur.

Et il y a une ironie là-dedans qu'on ne peut pas ignorer. Pour certaines personnes — des femmes en particulier — voir le corps féminin représenté avec dignité, avec soin, comme sujet d'une recherche artistique sérieuse et non comme objet de consommation, c'est précisément le contraire d'une offense. C'est une forme de reconnaissance. Effacer ces œuvres au nom de leur protection, c'est leur retirer quelque chose sans leur demander leur avis.

La censure ne protège pas tout le monde de la même façon. Elle choisit à la place des gens ce qu'ils sont capables de voir.

Aujourd'hui, au nom de sensibilités nouvelles, on propose de faire exactement la même chose que l'Église faisait à son époque : retirer ou atténuer ces œuvres. Le mécanisme est identique. Hier c'était la religion qui imposait le retrait. Aujourd'hui c'est une autre forme d'orthodoxie. Dans les deux cas, ce n'est pas l'œuvre qui change — c'est le regard qu'on cherche à lui imposer.

Censurer ces sculptures aujourd'hui n'est pas un progrès par rapport à ce que Médard a vécu. C'est une répétition.

Ce que ça coûte vraiment

Quand une institution retire ou atténue une œuvre pour éviter la controverse, elle ne protège pas son public. Elle lui retire quelque chose : la possibilité de rencontrer une réalité complexe et d'en sortir avec une compréhension plus fine du monde et de l'histoire.

Un lieu patrimonial n'est pas là pour rendre le passé confortable. Il est là pour le rendre compréhensible. Ce sont deux missions très différentes. La première consiste à filtrer. La seconde consiste à expliquer, à contextualiser, à fournir les outils pour comprendre ce qu'on regarde — sans toucher à l'œuvre elle-même.

Un cartel bien rédigé fait ce travail. Un guide de visite le fait. Une note d'interprétation le fait. Aucun de ces outils ne nécessite de modifier ou de cacher quoi que ce soit.

La règle qui s'applique à tout patrimoine

Un patrimoine qu'on a rendu inoffensif est souvent un patrimoine qu'on a vidé de son sens. Les œuvres qui dérangent encore après un siècle dérangent parce qu'elles touchent quelque chose de réel — une tension, une vérité, une complexité qui n'a pas disparu. C'est précisément pour ça qu'elles méritent d'être transmises intactes.

Si on accepte le principe qu'une œuvre peut être modifiée ou retirée quand elle provoque un inconfort, on n'a plus aucun critère stable. Ce qui dérange aujourd'hui sera censuré. Ce qui dérangera dans vingt ans le sera à son tour. Le résultat n'est pas un patrimoine protégé — c'est un patrimoine en révision permanente, qui finit par ne plus témoigner de l'époque où il a été créé, mais des sensibilités successives de ceux qui l'ont géré après coup.

Conclusion

Les nus de Médard Bourgault doivent être présentés dans leur forme originale. Pas parce que le confort du public est sans importance, mais parce que la mission d'un lieu de mémoire est la transmission — pas la gestion de l'inconfort.

Comprendre une œuvre demande un effort. Elle n'est pas tenue de se simplifier pour être acceptée. C'est au regard de s'ajuster pour en saisir le sens. Et c'est précisément le rôle d'un lieu patrimonial que de rendre cet ajustement possible — avec du contexte, de l'interprétation, de la rigueur.

Raphaël Maltais Bourgault